Una breve historia del cine
La inematografía es la ilusión de movimiento por el registro y posterior proyección rápida de muchas imágenes fotográficas fijas en una pantalla. Producto del esfuerzo científico del siglo XIX, se ha convertido en el último siglo en una industria que emplea a muchos miles de personas y en un medio de entretenimiento y comunicación de masas.
El cine de los primeros años
Nadie inventó el cine. Sin embargo, en 1891 la Compañía Edison en los EE.UU. demostró con éxito un prototipo del cinescopio, que permitía a una persona a la vez ver imágenes en movimiento. Los primeros en presentar imágenes en movimiento proyectadas a un público de pago (es decir, al cine) fueron los hermanos Lumière en diciembre de 1895 en París.
Al principio, las películas eran muy cortas, a veces sólo unos pocos minutos o menos. Se mostraban en ferias y salones de música o en cualquier lugar donde se pudiera instalar una pantalla y oscurecer una habitación. Los temas incluían escenas y actividades locales, vistas de tierras extranjeras, comedias cortas y eventos considerados de interés periodístico.
Las películas estaban acompañadas por conferenciantes, música y mucha participación del público -aunque no tenían diálogos sincronizados, no eran “silenciosas” como a veces se describen.
El auge de la industria cinematográfica
En 1914 se establecieron varias industrias cinematográficas nacionales. Europa, Rusia y Escandinavia eran tan importantes como América. Las películas se hicieron más largas, y la narración, o narración, se convirtió en la forma dominante.
A medida que más gente pagaba por ver películas, la industria que crecía a su alrededor estaba preparada para invertir más dinero en su producción, distribución y exhibición, así que se establecieron grandes estudios y se construyeron cines especiales. La Primera Guerra Mundial limitó enormemente la industria cinematográfica en Europa, y la industria americana creció en importancia relativa.
Los primeros 30 años de cine se caracterizaron por el crecimiento y la consolidación de una base industrial, el establecimiento de la forma narrativa y el refinamiento de la tecnología.
Adición de color
El color se añadió por primera vez a las películas en blanco y negro a través de tintes, tonos y plantillas. En 1906, los principios de la separación de colores se utilizaron para producir las llamadas imágenes en movimiento de “color natural” con el proceso británico Kinemacolor, presentado por primera vez al público en 1909.
Los primeros procesos de Technicolor a partir de 1915 eran engorrosos y costosos, y el color no se utilizó más ampliamente hasta la introducción de su proceso de tres colores en 1932.
Añadiendo el sonido
Los primeros intentos de añadir sonido sincronizado a las imágenes proyectadas utilizaron cilindros o discos fonográficos.
El primer largometraje que incorporaba diálogos sincronizados, The Jazz Singer (EE.UU., 1927), utilizaba el sistema Vitaphone de la Warner Brothers, que empleaba un disco de grabación separado con cada bobina de película para el sonido.
Este sistema resultó ser poco fiable y pronto fue sustituido por una banda sonora óptica de densidad variable grabada fotográficamente a lo largo del borde de la película.
La edad de oro del cine
A principios de los años 30, casi todos los largometrajes se presentaban con sonido sincronizado y, a mediados de los años 30, algunos también eran a todo color. El advenimiento del sonido aseguró el papel dominante de la industria americana y dio lugar a la “Edad de Oro de Hollywood”.
Durante los decenios de 1930 y 1940, el cine fue la principal forma de entretenimiento popular, y la gente solía asistir a los cines dos veces por semana. En Gran Bretaña, la mayor asistencia se produjo en 1946, con más de 31 millones de visitas al cine cada semana.
Relación de aspecto
Thomas Edison había usado película perforada de 35mm en el Kinetoscopio, y en 1909 esto fue adoptado como el estándar de la industria. La imagen tenía una relación altura-anchura -conocida como la proporción de aspecto- de 3:4 o 1:1.33.
Con la llegada del sonido óptico, la relación de aspecto se ajustó a 1,37:1. Aunque se hicieron muchos experimentos con otros formatos, no hubo grandes cambios en las relaciones de pantalla hasta los años 50.
Compitiendo con la televisión
La introducción de la televisión en Estados Unidos dio lugar a una serie de experimentos técnicos destinados a mantener el interés del público en el cine.
En 1952, se estrenó el proceso Cinerama, utilizando tres proyectores y una pantalla ancha y profundamente curvada junto con un sonido envolvente multipista. Dio al público una sensación de mayor participación y resultó ser extremadamente popular. Sin embargo, era técnicamente engorroso, y el cine de pantalla ancha no comenzó a ser ampliamente utilizado hasta la introducción de CinemaScope en 1953 y Todd-AO en 1955, ambos de los cuales utilizaban proyectores individuales.
CinemaScope tenía imágenes comprimidas ópticamente en película de 35 mm que se ampliaban lateralmente por el objetivo del proyector para adaptarse al ancho de la pantalla; Todd-AO utilizaba película de 70 mm de ancho. A finales de los años 50, la forma de la pantalla de cine había cambiado efectivamente, con relaciones de aspecto de 1:2,35 o 1:1,66 que se convirtieron en estándar.
También se han desarrollado sistemas especializados de pantalla grande que utilizan película de 70 mm. El más exitoso de ellos ha sido IMAX, que hoy en día tiene más de 1.000 pantallas en todo el mundo. Durante muchos años, los cines IMAX han mostrado películas especialmente hechas en sus formatos únicos 2D o 3D, pero están mostrando cada vez más versiones de películas populares que han sido remasterizadas digitalmente en el formato IMAX, a menudo con escenas adicionales o efectos 3D.
El sonido estéreo, con el que se había experimentado en los años 40, también se convirtió en parte de la nueva experiencia de la pantalla ancha.
El cine regresa
Aunque los cines tuvieron cierto éxito en la lucha contra la competencia de la televisión, nunca recuperaron la posición y la influencia que una vez tuvieron, y durante los siguientes 30 años las audiencias disminuyeron. Para 1984, la asistencia a los cines en Gran Bretaña se había reducido a un millón por semana.
Sin embargo, desde entonces esa cifra casi se ha triplicado con el crecimiento de los cines multicines fuera de la ciudad, tras la construcción del primer multicine británico en Milton Keynes en 1985.
Aunque América todavía parece ser la industria cinematográfica más influyente, la realidad es más compleja. Muchas películas se producen internacionalmente, ya sea en varios países o financiadas por empresas multinacionales con intereses en diversos medios de comunicación.
Hoy en día, la mayoría de la gente ve las películas en la televisión (ya sea terrestre o satelital o en video de algún tipo) y también estamos avanzando hacia un medio de entrega basado en la web.
Lo que sigue
En los últimos 20 años, la producción cinematográfica se ha visto profundamente alterada por el impacto de la rápida mejora de la tecnología digital. Aunque las producciones todavía se pueden rodar en película (e incluso esto se está volviendo menos común) la mayoría de los procesos posteriores, como la edición y los efectos especiales, se llevan a cabo en computadoras antes de que las imágenes finales se transfieran de nuevo a la película. La necesidad de esta transferencia final disminuye a medida que más cines invierten en la proyección digital, que es capaz de producir imágenes en pantalla que rivalizan con la nitidez, el detalle y el brillo de la proyección cinematográfica tradicional.
En los últimos años ha habido un resurgimiento del interés por las películas en 3D, tanto de animación como de acción en vivo, provocado por la disponibilidad de la tecnología digital. Queda por ver si esto será más que un fenómeno a corto plazo (como lo fueron los anteriores intentos de 3D en los decenios de 1950 y 1980).
Cómo convertirse en director de cine
Los directores trabajan en estrecha colaboración y responden a los productores de la película, que se encargan de los aspectos comerciales de la misma. Algunos directores también pueden trabajar como productores en el mismo proyecto. Otros deberes laborales de un director incluyen:
- Contratar al reparto y al equipo
- Llevar a cabo una investigación sobre el tema de la película
- Ejecutar los ensayos
- Aprobar las decisiones creativas con los decorados, el vestuario, la iluminación, etc.
- Supervisar la edición, los efectos especiales y otros procesos de post-producción
Requisitos de educación para directores de cine
Los estudiantes que se preguntan cómo convertirse en director de cine deben ser conscientes de los diferentes requisitos de educación y experiencia laboral que se necesitan normalmente para el puesto. Muchos estudiantes que quieren ser directores necesitarán abrirse camino en la industria con el tiempo. Aquí discutimos cómo convertirse en director y productor de cine con más detalle.
Los directores y productores típicamente necesitan al menos una licenciatura de una institución de 4 años. Una universidad de directores de cine puede ofrecer programas de licenciatura en artes, bellas artes o ciencias que preparen a los estudiantes para la carrera.
Los estudiantes que se preguntan qué estudiar para convertirse en director de cine pueden elegir normalmente entre asignaturas como cine o cinematografía que ayuden a preparar a los estudiantes para el proceso de realización de una película. Estos programas de licenciatura pueden incluir un curso de director en temas como la cinematografía, la edición, la historia del cine y la escritura de guiones. Algunos de estos cursos pueden incluso estar disponibles en línea, como los cursos en línea para la televisión y la producción de medios digitales.
Otras opciones de titulación de director de cine incluyen temas de comunicación, escritura, actuación o periodismo. También hay muchos programas diferentes de licenciatura en medios digitales disponibles a nivel de licenciatura y de posgrado que podrían ayudar a preparar a los estudiantes para sus carreras como directores. Aunque no suele ser obligatorio, los programas de postgrado, como el máster en edición de cine y vídeo u otros programas de maestría en Bellas Artes (MFA), pueden desarrollar aún más las habilidades y la experiencia de un director en este campo.
Cómo entrar en la dirección
Una vez que han obtenido al menos una licenciatura, los estudiantes interesados en convertirse en directores de Hollywood suelen comenzar sus carreras en puestos de bajo perfil en los estudios. Pueden trabajar como asistentes de editores de cine, cineastas o directores durante varios años antes de obtener su primer trabajo de dirección.
Una vez que dirigen su primera película, los directores continuarán con otros proyectos con la esperanza de que su reputación crezca en la industria. Esto puede permitirles trabajar con una variedad de productores en el campo y/o comenzar a trabajar en proyectos más grandes con más atención de la corriente principal. Esto también suele venir con un mayor presupuesto y más libertad creativa para sus películas.
Cómo convertirse en un director de cine sin escuela de cine
Aunque la mayoría de los directores tienen al menos una licenciatura, es posible convertirse en director de cine sin una educación formal en una escuela de cine. Los directores que siguen este camino suelen trabajar en varios estudios, como se ha mencionado anteriormente, y/o empiezan a crear sus propias películas y crecen en su reputación. Este camino a la carrera puede incluir mucho ensayo y error, pero también puede proporcionar a los aspirantes a directores mucha libertad creativa.
Cómo hacer una película – Cómo empezar
1. Obtenga una cámara de alta calidad.
Muchos cineastas de bricolaje han utilizado cámaras baratas para hacer películas de aspecto profesional. A menudo, sin embargo, el aspecto “casero” del metraje está directamente relacionado con la historia, casando la forma con el contenido. Decida qué tipo de cámara necesita y qué tipo de cámara puede permitirse. Pueden costar desde unos pocos cientos hasta varios miles de dólares. Si ya tienes acceso a una videocámara relativamente barata, considera la posibilidad de filmar una historia que funcione bien con un aspecto casero.
En la gama de entre 100 y 200 euros, dispone de un gran número de grabadoras domésticas disponibles en el mercado. Compañías como JVC, Canon, y Panasonic tienen cámaras relativamente baratas que son móviles, efectivas, y se ven muy bien. Incluso algo como un iPhone, iPad o iPod touch funciona muy bien, especialmente porque es fácil transferir vídeos grabados en tu dispositivo IOS a iMovie. Los dispositivos IOS tienen cámaras muy asombrosas por lo que son, y como la mayoría de la gente ya tiene un teléfono, entonces no tienes que salir y gastar dinero extra. También puedes colocar un accesorio sobre la cámara de tu iPhone como un clip Ollo, que oscila entre 60€ y 100€. El clip Ollo viene con cuatro lentes. Las cámaras baratas pueden verse muy bien, por ejemplo: “El “Proyecto Bruja de Blair” fue filmado en una videocámara RCA comprada en Circuit City por muy poco dinero.
En la gama de 500-900€, tienes modelos muy sólidos de Panasonic y Sony que han sido utilizados para hacer películas como “Open Water” y muchos documentales. Si se toma en serio la idea de hacer películas y hacer más de una, considere la posibilidad de invertir en una cámara sólida.
En un iPad, iPhone, iPod touch o Macbook, hay una aplicación llamada iMovie (4,99 € para la versión IOS). Le permite hacer películas rápidas y fáciles, pero con un aspecto profesional.
2. Decida cómo va a editar la película.
A menos que vaya a ir rápido y sucio y sólo editar en la cámara, lo que implicaría filmar todo en orden y filmar sólo tomas perfectas, (lo que consume mucho tiempo). tendrá que importar el metraje a un ordenador. Los ordenadores Mac vienen con iMovie y los ordenadores PC vienen con Windows Movie Maker, tipos básicos de software de edición que le permitirán editar el material juntos, mezclar el sonido e incluso añadir créditos.
Puedes actualizar a un software de edición más complejo y profesional como Video Edit Magic o Avid FreeDV. Si estos no están disponibles dos herramientas de edición de películas gratuitas pero muy profesionales están disponibles Open Shot y Light Works que usted puede obtener de forma gratuita y de uso.
3. Encuentra un lugar para filmar.
Filmar una epopeya del espacio exterior en tu dormitorio sería difícil, al igual que filmar tu arenosa película sobre un estafador callejero en el centro comercial. Mira qué lugares están disponibles para ti, y considera qué historias podrían evolucionar desde ese lugar. La película “Clerks” gira en torno a un grupo de tipos apáticos que trabajan en una tienda de abarrotes y pasan el rato. Sin el acceso a dicha tienda de conveniencia, habría sido difícil ir.
Las empresas y los restaurantes a menudo dudan a la hora de dejar que los cineastas aficionados usen su propiedad para filmar, pero siempre se puede preguntar. A menudo, la gente estará entusiasmada con la idea de ser incluida.
4. Encuentre personas dispuestas a ayudar.
Con muy pocas excepciones, la producción de una película involucra a un gran grupo de personas que se unen para servir a un objetivo común: una gran historia visual que merece ser contada. Necesitarás gente que actúe y gente que ayude a filmar. Elige a tus amigos en estos roles, o coloca una llamada en Facebook o Craigslist para que la gente se interese por tu proyecto. Si no vas a poder pagarle a nadie, déjalo claro desde el principio.
Si vives en una ciudad universitaria, considera la posibilidad de poner volantes en los edificios del teatro para ver si algún talento local podría estar interesado. Puede que te sorprenda lo emocionada que está la mayoría de la gente de ser incluida en un proyecto como este.